Interviews with jazz legends.

In this section, we will share written interviews with leading jazz legends from around the world.
WSA had the privilege of interviewing prominent Canadian saxophonist Semaus Blake who cordially answered the following questions.

<WSA> We would like to begin the interview by asking you when did you start playing sax and how did you choose this instrument?

<SB> I began playing saxophone when I was 15 years old and before that, I had played the violin and had a background in classical music since age 7. I signed up with a band class in my school because I needed an arts credit. I didn’t particularly care which instrument I played and saxophone just seemed a more fun choice although I had no experience playing a wind instrument at the time. I was offered to play tuba since the band needed a tuba player but I said I preferred to play saxophone even though there were already too many saxophones!

<WSA> Talking about your professional career as a composer, how would you define your creative search when creating a new album?

<SB> I like to always be working on music as a composer. When I know that I have an album to record sometimes I write new music specifically for the album and the personnel of the band involved and sometimes I use material that has already been written.

<WSA> In reference to your great album "Superconductor", could you tell us about your finest work with Guillermo Klein and conductor Vickie Yang? In addition, we would like to know how the recording process in the studio with the orchestra was?

<SB> Originally the album was conceived to be a more electronic record in a collaboration with my friend Scott Kinsey whom I met in my college days at Berklee College of Music in Boston. When I was working on the music, I was suggested by Vickie to try some orchestral arrangements of some of the songs. While working on the album I had also asked Guillermo Klein to be an advisor or producer of the record. As I was writing, I showed Guillermo the progress of the songs and he gave me advice and suggestions along the way. About two weeks before the recording date we decided to do some more orchestral arrangements of some of the songs. I had written Gracia about a year before originally as a vocal song with lyrics on a piano in Barcelona. For the record had reworked it with a new verse section and made it instrumental. The song to me had a slight Argentinian flavor and I thought it would be perfect for Guillermo to make an arrangement with since he is from Buenos Aires. We also recorded one of Vickie‘s original compositions which she arranged called Last Continent. Sofa song began as a slightly Brazilian-influenced song in 4/4. It was Guillermo‘s idea to try to infuse a 9/8 Clave. At first, I struggled with a way to try to implement this but eventually found that combining 4/4 with the 9/8 was a good solution. The results pleased me and I gave this to Vickie to arrange. It was very challenging but in the end, it was a success and I was very happy with the results. Hearing the arrangements in person at the first rehearsal was so exciting. I loved the colors of the orchestration and playing with the large ensemble was exhilarating. Due to the complexity of the rhythm and the large number of musicians involved coupled with the short amount of time to record we chose to do Sofa song with a click track so that the rhythm could be accurate and played more easily. The record is almost 2 records combined. A small group electronic quasi-fusion album and a large ensemble album with orchestration. I was pleased with the results but I also thought that in the future I could make a more refined thematic statement with an album or collection of songs that fit together more perfectly.

<WSA> Considering your magnificent career as part of our jazz legends section, we would like to know which aspects and factors do you consider must combine in a musician to become a legend?

<SB> I think the important attributes that make up a great jazz artist that is revered and listened to a lot are the following: originally in concept and style, exceptional rhythm and tone, an ability to play emotionally, an ability to have an intelligent narrative in the construction of the solos they play, good songwriting, and a collection of tunes that are compelling and unique.

<WSA> Regarding the relationship of jazz with the genre, do you think that there are currently more openings and opportunities for women in the worldwide jazz scene?

<SB> It is my belief that there are increasing opportunities for women in jazz. This is a very positive trend which I see more and more of. It can only be a very good thing for jazz.

<WSA> We know that professional musician life involves a lot of time outside of his native country. In this sense, what do you like the most when you travel with music to an unknown city and culture?

<SB> It is certainly exciting to travel and play in different countries and to visit cities that are far away. When I have time, I like to try to explore the culture by visiting museums, sampling food in restaurants, hearing local musicians play, taking photographs of scenery, and meeting new people. Unfortunately, most tours are very tightly packed and so the amount of free time is very limited. It’s a common misconception that there is a lot of time for a vacation like activities on tour but the truth is a musician on tour spends most of his time traveling in planes and trains and cars and the rest of his time at the Soundcheck!

<WSA> During the hard pandemic, how you have worked in the most critical moments, and how has that “new reality” affected your professional activity?

<SB> We all know that the pandemic was a rough time for musicians worldwide. I had moments of determination in which I was trying to write music and trying to practice but I also had moments of frustration and depression. I was lucky to have some teaching work in Italy this past year which kept me going when all concerts were canceled. In the past few months, I’ve been fortunate enough to play concerts again and be traveling. I hope that this trend will continue.


<WSA> Nos gustaría comenzar la entrevista preguntándote ¿cuándo empezaste a tocar el saxo y cómo elegiste este instrumento?

<SB> Comencé a tocar el saxofón cuando tenía 15 años y antes había tocado el violín y tenía experiencia en música clásica desde los 7 años. Me inscribí en una clase de banda en mi escuela porque necesitaba un crédito en artes. No me importaba particularmente qué instrumento tocar y el saxofón parecía una opción más divertida, aunque no tenía experiencia tocando un instrumento de viento en ese momento. Me ofrecieron tocar la tuba porque la banda necesitaba un intérprete de tuba, pero dije que prefería tocar el saxofón, ¡aunque ya habían demasiados saxofones!

<WSA> Hablando de tu carrera profesional como compositor, ¿cómo definirías tu búsqueda creativa a la hora de crear un nuevo disco?

<SB> Me gusta estar siempre trabajando en la música como compositor. Cuando sé que tengo un álbum para grabar, a veces escribo música nueva específicamente para el álbum y el personal de la banda involucrado y, a veces, uso material que ya ha sido escrito.

<WSA> En referencia a tu gran álbum "Superconductor", ¿podrías hablarnos de tu gran trabajo con Guillermo Klein y la directora Vickie Yang? Además, nos gustaría saber ¿cómo fue el proceso de grabación en el estudio con la orquesta?

<SB> Originalmente, el álbum fue concebido para ser un disco más electrónico en colaboración con mi amigo Scott Kinsey, a quien conocí en mis días universitarios en Berklee College of Music en Boston. Cuando estaba trabajando en la música, Vickie me sugirió que probara algunos arreglos orquestales de algunas de las canciones. Mientras trabajaba en el álbum, también le había pedido a Guillermo Klein que fuera asesor o productor del disco. Mientras escribía le mostré a Guillermo el progreso de las canciones y él me dió consejos y sugerencias en el camino. Aproximadamente dos semanas antes de la fecha de grabación, decidimos hacer algunos arreglos orquestales más de algunas de las canciones. Había escrito "Gracia" alrededor de un año antes originalmente como una canción vocal con letra en un piano en Barcelona. Para la grabación, la había reelaborado con una nueva sección en verso y la había convertido en instrumental. La canción para mí tenía un ligero sabor argentino y pensé que sería perfecto que Guillermo hiciera un arreglo con él ya que es de Buenos Aires. También grabamos una de las composiciones originales de Vickie (que ella arregló) llamada "Last Continent". "Sofa song" comenzó como una canción de influencia ligeramente brasileña en 4/4. Fue idea de Guillermo intentar infundir una clave 9/8. Al principio luché con una forma de intentar implementar esto, pero finalmente descubrí que combinar 4/4 con 9/8 era una buena solución. Los resultados me complacieron y le di esto a Vickie para que lo arreglara. Fue muy desafiante pero al final fue un éxito y estaba muy contento con los resultados. Escuchar los arreglos en persona en el primer ensayo fue muy emocionante. Me encantaron los colores de la orquestación y tocar con el gran conjunto fue estimulante. Debido a la complejidad del ritmo y la gran cantidad de músicos involucrados, junto con el poco tiempo de grabación, elegimos hacer la canción de Sofa con una pista de clic para que el ritmo pudiera ser preciso y tocar más fácilmente. El récord es de casi 2 registros combinados. Un álbum de cuasi-fusión electrónica de grupo pequeño y un álbum de conjunto grande con orquestación. Estaba satisfecho con los resultados, pero también pensé que en el futuro podría hacer una temática más refinada con un álbum o colección de canciones que encajaran más perfectamente.

<WSA> Teniendo en cuenta tu magnífica trayectoria como parte de nuestra sección de leyendas del jazz, nos gustaría saber ¿qué aspectos y factores consideras que deben combinarse en un músico para convertirse en una leyenda?

<SB> Creo que los atributos importantes que componen a un gran artista de jazz que es venerado y escuchado, son los siguientes: original en concepto y estilo, ritmo y tono excepcionales, habilidad para tocar emocionalmente, capacidad de tener una narrativa inteligente en la construcción de los solos, buena composición, una colección de melodías atractivas y únicas.

<WSA> En cuanto a la relación del jazz con el género, ¿crees que en la actualidad existe más apertura y oportunidades para las mujeres en la escena jazzística mundial?

<SB> Creo que hay cada vez más oportunidades para las mujeres en el jazz. Esta es una tendencia muy positiva que veo cada vez más. Solo puede ser algo muy bueno para el jazz.

<WSA> Sabemos que la vida del músico profesional implica mucho tiempo fuera de su país natal. En este sentido, ¿qué es lo que más te gusta cuando viajas con la música a una ciudad y cultura desconocidas?

<SB> Sin duda, es emocionante viajar y tocar en diferentes países y visitar ciudades lejanas. Cuando tengo tiempo, me gusta intentar explorar la cultura visitando museos, probando comida en restaurantes, escuchando tocar a músicos locales, tomando fotografías de paisajes y conociendo gente nueva. Desafortunadamente, la mayoría de los tours están muy llenos, por lo que la cantidad de tiempo libre es muy limitada. Es un error común pensar que hay mucho tiempo para vacaciones, pero la verdad es que un músico de gira pasa la mayor parte de su tiempo viajando en aviones, trenes y automóviles, ¡y el resto de su tiempo en la prueba de sonido!.

<WSA> Durante la dura pandemia, ¿cómo has trabajado en los momentos más críticos y cómo esa “nueva realidad” afectó tu actividad profesional?

<SB> Todos sabemos que la pandemia fue una época difícil para los músicos de todo el mundo. Tuve momentos de determinación en los que estaba tratando de escribir música y de practicar, pero también tuve momentos de frustración y depresión. Tuve la suerte de tener algo de trabajo en Italia, como docente, el año pasado, lo que me ayudó a seguir adelante cuando se cancelaron todos los conciertos. En los últimos meses he tenido la suerte de volver a tocar en conciertos y viajar. Espero que esta tendencia continúe.


<WSA> To begin our interview, we would like to know what key aspects and factors do you consider must be combined in a musician to become a legend?

<CP> Legend, that’s a big word!
There are many factors that go way beyond just practicing an instrument and sounding good when it comes to this level.

When I think of people like Duke Ellington, like Charlie Parker, like John Coltrane, of course, I admire and study their craft; they mastered so many aspects of music, and for that reason alone they should be remembered and revered. But their importance to me is not just about notes. It is also connected to their place in history, their development of the art form, and what their work and life mean artistically and also perhaps politically and spiritually, as a function of their complete worldview. It is for people whose high artistic achievements match their gifts to us on a humanistic level that the word legend could perhaps be used.

<WSA> Speaking of your exceptional career, you recorded countless albums and performed with countless great musicians. Could you tell us about your finest work with Pat Metheny and/or other legendary artists?

<CP> I’ve had the incredible privilege to work with so many great musicians, I think I’ll restrict my answer to talking about two people who had a big influence on my approach earlier in my career: Paul Motian and Dave Holland. A big lesson I learned from Paul was how he trusted his artistic instincts. He hated anything that was predictable and ordinary, and would sometimes take a left turn exactly where most people would take a right. He did this with such conviction and deep commitment to beauty that it could be very magical. It seemed to me that while he achieved a high level of technical mastery in his youth, he spent the rest of his life trying to forget that he knew how to play the drums so that he wouldn’t get caught up in his own habits, and he could make the music fresh every time. A very different personality, Dave Holland has a very disciplined, thoughtful approach, along with a huge amount of curiosity and very generous nature. I’ve seen how he applies this to every aspect of his music and career. As a bass player, it is always difficult to be a bandleader, and he could have very easily spent his whole career playing wonderful music in other people’s bands. But he had a vision of what he wanted to achieve musically which involved organizing his own projects. He did this in such a strong and uncompromising way that eventually everyone had to pay attention. The big thing that Dave and Paul share, though expressed in their own unique way, is this commitment to beauty that I mentioned, this determination to use the force of their music and their life to bring something beautiful into the world that hadn’t been there before.

<WSA> In reference to your latest album "Good Hope" (2019) it could be defined as a beautiful and refined polyrhythmic work. Could you tell us how was the experience of developing this profound project together with Dave Holland and Zakir Hussain?

<CP> This project came about through a larger ensemble that Zakir put together a few years ago involving Dave and I and several other amazing Indian musicians.
I have always had a fascination with Indian music and its use of rhythm and melody, and the opportunity to explore this with a true master of the tabla is an incredibly valuable opportunity, I know Dave feels this way too. The dialogue between Zakir, Dave, and I, both on and off the stage, has been a huge source of inspiration to me these past couple of years. Writing for it was a challenge, not only finding a rhythmic language we could all share but also harmonically, as the tabla is essentially a pitched drone instrument. In the end, I feel very proud of the work we’ve done, I think it shows what is possible between cultures when people take the time to listen to each other and create something together.

<WSA> After multiple shows in South America, we would like to know what is your impression of Latin American jazz and what potential do you recognize that there is in this region?

<CP> There is such a rich musical and social history in South America, which parallels in many ways the history we have in North America, in terms of influences from Africa and Europe as well as indigenous sources. While there has already been a musical conversation back and forth between our continents for many years, I think there is potential for much, much more. Jazz musicians from the U.S. have been exploring Brazilian music for many years, but now I see musicians also learning more about Peruvian music, Colombian music, Chilean music, etc. The mixing of cultures to form something new is at the heart of what makes jazz special, and this energy is obviously alive in South America in a vibrant and energetic way. There are very unique South American flavors that are surely enriching the jazz tradition, and it is very exciting to hear musicians from South America taking the music in new directions of their own.

<WSA> Due to the tragic 2020 pandemic, dozens of live music venues have closed around the world. How do you see the future of the global jazz scene, and in particular in New York City?

<CP> I wish I knew! I know that people are very hungry to experience live music again, but being in close quarters in a crowd may not happen for a while, unfortunately, and jazz is all about social interaction. I know there will be some big changes in New York and elsewhere, and tragically some venues may not survive, but I’m hoping when this all settles down, new energy will bring new opportunities and places to play once again. I also think having all this time for reflection is going to lead to some deep music, and possibly some positive new attitudes towards our work and how we go about it. I think New York will continue to be the hub for jazz music it has always been, it’s just hibernating now. At least I hope so. Time will tell if I am right!

<WSA> Speaking of your current creative process, are you working on the future of a recording material or some other project that will allow us to tell?

<CP> I’ve been writing a lot of music during this time, that’s for sure. I’ve always wanted to have more time to stay home and think about what direction to go in, and while this isn’t how I would have chosen to do it, I’m trying to use the opportunity. I’ve already finished drafts of an album of big band music with vocals, and a classical piece for soprano saxophone and piano. At the moment, I’m trying to record an album where I overdub myself playing all the instruments. It is proving to be quite a challenge, to be not only the saxophonist and composer but also the drummer, engineer, etc. I think maybe I’ve lost my mind!

<WSA> To end this fantastic interview, we would like to thank you for having your precious time and sharing your wise words with us. There is any message that you would like to convey to the jazz community in these difficult times?

<CP> The fears we are dealing with now are very difficult- fear of disease, fear of losing our livelihood, fear of not knowing what the future is going to bring- and it is important to acknowledge this, and do what we must in order to survive. On the other hand, we have the time now to reflect and imagine building a future we really want rather than just rushing around day today. It’s been amazing here to see a huge movement here against police brutality of African Americans, this is the kind of thing that has always needed to happen, and maybe now the time is right for this kind of change. Music is an incredibly powerful force for forging human connections and dealing with emotions, we musicians must remember this whenever we feel discouraged or irrelevant, that our work is important, even if not always appreciated economically. So try to keep your spirits up, enjoy music, be kind to people, stay safe, and keep practicing!

Entrevistas a leyendas del jazz.
WSA tuvo el privilegio de comenzar entrevistando al destacado saxofonista americano Chris Potter, quien respondió cordialmente las siguientes preguntas.

En esta sección compartiremos entrevistas escritas con importantes leyendas del jazz de todo el mundo. 

<WSA> Para comenzar nuestra entrevista quisiéramos saber ¿Qué aspectos y factores clave considera que deben combinarse en un músico para convertirse en una leyenda?
<CP> Leyenda, esa es una gran palabra!
Hay muchos factores que van mucho más allá de solo practicar un instrumento y sonar bien cuando se trata de este nivel.

Cuando pienso en personas como Duke EllingtonCharlie Parker , John Coltrane , por supuesto, admiro y estudio su oficio. D ominaban muchos aspectos de la música, y solo por esa razón aspectos ser recordados y venerados. Pero su importancia para mí no se trata solo de notas.
También está conectado con su lugar en la historia, su desarrollo de la forma de arte y lo que significa su trabajo y su vida artística y quizás también política y espiritualmente, en función de su visión del mundo completo.
Es para las personas cuyos altos logros artísticos coinciden con sus dones en un nivel humanista que la palabra leyenda tal vez podríamos usar.

<WSA> Hablando de su carrera excepcional, grabó infinidad de álbumes y se presentó con innumerables grandes músicos.
¿Podría contarnos sobre su refinado trabajo con Pat Metheny y / u otros artistas legendarios? 

<CP> Tuve el increíble privilegio de trabajar con tantos grandes músicos, creo que restringiré mi respuesta a hablar de dos personas que tuvieron una gran influencia en mi enfoque al principio de mi carrera:  Paul Motian y Dave Holland.
Una gran lección que aprendí de Paul fue cómo confiaba en sus instintos artísticos. Odiaba cualquier cosa que fuera predecible y ordinaria, ya veces giraba a la izquierda exactamente donde la mayoría de la gente tomaba la derecha. Lo hizo con tanta convicción y profundo compromiso con la belleza que podría ser muy mágico. Me pareció que si bien tenía un alto nivel de dominio técnico en su juventud, pasó el resto de su vida tratando de olvidar que sabía tocar la batería, para no quedar atrapado en sus propios síntomas y podría hacer que la música fuera fresca cada vez. 
Una personalidad muy diferente es Dave Holland. Tiene un enfoque muy disciplinado y reflexivo, junto con una gran cantidad de curiosidad y una naturaleza muy generosa. El vió cómo aplicar esto a todos los aspectos de su música y carrera. Como bajista, siempre es difícil ser un líder de banda, y podría haber pasado toda su carrera tocando música maravillosa en las bandas de otras personas. Pero tenía una visión de lo que quería lograr musicalmente, lo que implicaba organizar sus propios proyectos. Lo hizo de una manera tan fuerte e intransigente que eventualmente todos tuvieron que prestar atención.
Lo más importante que Dave y Paul comparten, aunque expresado en su propia forma única, es este compromiso con la belleza que mencionaba antes, esta especificación de uso de la fuerza de su música y de su vida para traer algo hermoso al mundo que no había estado allí antes. 

<WSA> En referencia a su último álbum "Good Hope" (2019)  se podría definir como un hermoso y refinado trabajo polirrítmico. Pordía contarnos ¿Cómo fue la experiencia de desarrollar este profundo proyecto junto con Dave Holland y Zakir Hussain?
<CP> Este proyecto surgió apartir de un ensamble más grande que Zakir armó hace unos años involucrando a Dave, a mí ya otros increíbles músicos de India. Siempre me ha fascinado la música de la India y su uso del ritmo y la melodía, y la oportunidad de explorar esto con un verdadero maestro de la tabla es una oportunidad increíblemente valiosa, sé que Dave también se siente así. El diálogo entre Zakir, Dave y yo, tanto dentro como fuera del escenario, ha sido una gran fuente de inspiración para mí en los últimos años. Escribir para él fue un desafío, no solo para encontrar un lenguaje rítmico que todos pudiéramos compartir, sino también armónicamente, ya que la tabla es difícil un instrumento de dron.
Al final, me siento muy orgulloso del trabajo que hemos hecho!

<WSA> Luego de sus múltiples shows en Sudamérica, nos gustaría saber
¿Cuál es su impresión sobre el jazz latinoamericano y qué 
potencial reconoce que hay en esta región?

<CP> Hay una historia musical y social tan rica en América del Sur, que es paralela en muchos aspectos a la historia que tenemos en América del Norte, en términos de influencias de África y Europa, así como de fuentes indígenas. Si bien ya hemos tenido una conversación musical entre nuestros continentes durante muchos años, creo que existe el potencial para mucho, mucho más.
Los músicos de jazz de los EE. UU han estado explorando la música brasileña durante muchos años, pero ahora veo músicos que también aprenden más sobre la música peruana, la música colombiana, la música chilena, etc. La mezcla de culturas para formar algo nuevo está en el corazón de lo que hace que el jazz especial, y esta energía obviamente está viva en América del Sur de una manera vibrante y energética. Hay sabores sudamericanos muy únicos que seguramente están enriqueciendo la tradición del jazz.

<WSA> Debido a la trágica pandemia de 2020, docenas de lugares de música en vivo han cerrado en todo el mundo. ¿Cómo ve el futuro de la escena global del jazz, y en particular en la ciudad de Nueva York?
<CP> ¡Ojalá supiera!
Sé que la gente tiene mucha hambre de volver a experimentar música en vivo, pero desafortunadamente, estar cerca de una multitud puede no suceder por un tiempo, y el jazz se trata de interacción social.
Sé que habrá grandes cambios en Nueva York y en otros lugares, y trágicamente, algunos lugares pueden no sobrevivir, pero espero que cuando esté todo estable, la nueva energía traiga nuevas oportunidades y lugares para tocar, una vez más.
También creo que tener todo este tiempo para reflexionar va a conducir algo de música profunda y posiblemente nuevas actitudes positivas hacia nuestro trabajo y en cómo lo hacemos.
Creo que Nueva York fue el centro de la música de jazz que siempre ha sido, solo que está hibernando ahora. Por lo menos eso espero.¡El tiempo dirá si tengo razón!

<WSA> Hablando de su proceso creativo actual, ¿está trabajando en el futuro de un material discográfico o en algún otro proyecto que nos permita contar?
<CP> He estado escribiendo mucha música durante este tiempo, eso es seguro. Siempre quise tener más tiempo para quedarme en casa y pensar en qué dirección tomar, y aunque no es así como elegí hacerlo, estoy tratando de aprovechar la oportunidad. Ya terminé los borradores de un álbum de música de big band con voces y una pieza clásica para saxofón soprano y piano. En este momento, estoy tratando de grabar un álbum donde me sobregrabo tocando todos los instrumentos.Está demostrando ser todo un desafío, no solo ser el saxofonista y compositor, sino también el baterista, el ingeniero, etc. ¡Creo que tal vez me he vuelto loco!

<WSA> Para finalizar la entrevista, quisiéramos agradecerle por disponer de su preciado tiempo y compartirnos sus sabias palabras.
Nos quedaría saber si ¿hay algún mensaje que quisiera transmitirle a la comunidad del jazz en estos tiempos difíciles?

<CP> Los miedos con los que estamos lidiando ahora son muy difíciles: miedo a la enfermedad, miedo a perder nuestro sustento, miedo a no saber lo que el futuro traerá, y es importante reconocer esto y hacer lo que debemos para sobrevivir. Por otro lado, ahora tenemos el tiempo para reflexionar e imaginar la construcción de un futuro que realmente queremos en lugar de apresurarnos hoy día. Ha sido increíble ver el enorme movimiento aquí contra la brutalidad policial de los afroamericanos, este es el tipo de cosas que siempre ha tenido que suceder, y tal vez ahora es el momento adecuado para este tipo de cambio. La música es una fuerza increíblemente poderosa para forjar conexiones humanas y lidiar con las emociones, los músicos debemos recordar esto cada vez que nos sentimos desanimados o irrelevantes, nuestro trabajo es importante, incluso si no siempre se aprecia económicamente.

Worldwide Sax Alliance